Disegni a Matita di Flavio Apel
Editore: Galerie Rasch
Testi: Anjelika Spöth, M.A. Storia dell’Arte
ISBN-13: 978-1724068828
Dorothea von Kiedrowski, Istituto per l’Architettura Sacra e l’Arte Ecclesiastica Contemporanea
Flavio Apel ha trascorso l’infanzia in un piccolo villaggio vicino a Roma. Oggi, pur vivendo a Marburgo, continua a tornare in quel luogo che ha profondamente influenzato il suo immaginario artistico.
I protagonisti delle sue opere – oggetti quotidiani e insetti – prendono nuova vita nelle composizioni di Apel. Diversamente dalle nature morte dei maestri antichi, che ritraevano tavole ornate da cibi sontuosi, argenteria lucente e bicchieri finemente cesellati, le opere di Apel mostrano forchette piegate, piatti di zuppa semivuoti e lattine vuote su sfondi bianchi. I suoi personali simboli di vanitas, come gli insetti, appaiono frammentati o capovolti.
Solo lo scarabeo cervo sembra emergere come figura ricorrente nelle enigmatiche narrazioni visive di Apel. Nella simbologia cristiana, questo insetto rappresenta un talismano contro il male. Ricorre spesso nei disegni dell’artista: si confronta in duelli con forchette contorte o si trova spaesato davanti a un cioccolatino con ali d’insetto, protetto da una campana di vetro. Questi insoliti accostamenti donano nuova vita agli oggetti, narrando storie che lo spettatore può continuare a immaginare. Con tratti precisi e una straordinaria economia di mezzi, Apel crea mondi surreali.
Un altro approccio distintivo di Apel è il posizionamento dei suoi soggetti ai margini delle immagini. Lo spazio vuoto al centro guida inizialmente lo sguardo verso ciò che sembra insignificante. Poi, l’occhio è attratto dalle composizioni astratte di sottili sfumature di grigio e linee delicate. Questi dettagli invitano a cercare, avvicinarsi e osservare con maggiore attenzione, lasciando lo sguardo vagare lungo i bordi. Solo a un secondo sguardo le affascinanti texture e ombreggiature si rivelano come resti di materiali comuni, insetti o burro.
Nel 2017, la Galerie Rasch di Kassel ha presentato una mostra personale di Apel intitolata “Insignificante”. Il titolo è tratto da un commento sprezzante del critico d’arte Sulpiz Boisserée del 1815, riferito alle ricerche dei fratelli Grimm, e viene reinterpretato. Boisserée criticava l’attenzione dei Grimm per dettagli considerati insignificanti nei loro studi linguistici e letterari.
A ciò i Grimm risposero: “Spesso si scarta come inutile ciò che esprime con maggiore precisione la vita stessa, mentre ci si abbandona a riflessioni che forse inebriano, ma non soddisfano e nutrono davvero.”
Con i suoi disegni, Apel si dedica alla ricerca di ciò che viene considerato “insignificante,” lontano dalle sensazioni e dall’ostentazione.
Andacht zum Unbedeutenden - Bleistiftzeichnungen von Flavio Apel
KUNST + Kaviar, Intervista a Flavio Apel
(https://www.kunstundkaviar.de/)
Il nostro primo ospite è un giovane artista di Kassel. Flavio Apel, di origini italo-tedesche, ha trascorso i suoi primi sette anni in un pittoresco borgo vicino a Roma. I suoi disegni a matita su carta sono così precisi da mettere in dubbio la percezione dello spettatore: sembrano fotografie, iperrealistici e quasi surreali. Sottili linee, a volte appena visibili, richiedono ore, giorni o persino settimane per essere trasformate in forme riconoscibili. Matita, carta, tempo, pazienza, dubbi e solitudine. Di tutto questo e altro ancora abbiamo parlato con Flavio.
Flavio, grazie per averci dedicato il tuo tempo. Sappiamo che la tua infanzia e le tue origini giocano un ruolo fondamentale nella tua arte. Come ricordi quel periodo della tua vita?
Ho avuto la fortuna di crescere in una bellissima villa in stile quasi kitsch italiano. Mio nonno, con suo fratello architetto, ha impiegato 20 anni per costruirla. Una casa in pietra, immersa nella natura: per me era il paradiso. Poi, a sette anni, sono arrivato in Germania, dove tutto era grigio e di cemento. La villa e il grande giardino con le piante sono ricordi che porto sempre con me. Anche se la casa è stata venduta, l’emozione di quel periodo non mi ha mai lasciato.
I tuoi disegni includono spesso utensili da cucina e insetti. Esiste un legame tra questi soggetti e i tuoi ricordi d’infanzia?
Assolutamente sì. In Italia si ama festeggiare e mangiare. C’erano sempre grandi celebrazioni, e noi bambini dovevamo preparare la tavola o lucidare le bellissime posate d’argento della nonna. Per quanto riguarda gli insetti, ricordo che in giardino c’erano molti cervi volanti, che mi affascinavano già da piccolo. Il loro nome italiano, cervo volante, mi sembrava poetico. Recentemente ne ho salvati cinque davanti a casa mia a Marburgo! Non può essere un caso.
Al momento tutto il mondo è costretto a rimanere a casa. Dove collocheresti il tuo concetto di “casa”? Italia, Roma, Kassel, Marburgo o altrove?
È una domanda complessa. All’inizio, accettare la Germania come nuova casa è stato difficile. Crescendo, però, mi sono adattato. Mi piace Marburgo, ma preferisco Kassel, dove c’è più dinamismo. Tuttavia, la villa in Italia rimarrà sempre una parte della mia idea di “casa,” anche se ora ho costruito qualcosa di nuovo.
Come sei arrivato all’arte? Quando hai iniziato e c’è stato un momento preciso in cui hai capito che dovevi o volevi farlo?
Provengo da una famiglia di artisti. Mio padre ha studiato Comunicazione Visiva, grafica e fotografia all'Accademia di belli Arti di Kassel, dove in seguito ha lavorato anche come docente. Mio nonno e mia madre hanno anch’essi un background artistico e sono sempre stati molto appassionati d’arte. La mia infanzia è stata ovviamente turbolenta a volte, anche a causa del rapporto complesso con mio padre. Nel disegno trovavo sempre pace, e così l’arte è diventata il mio rifugio e luogo di quiete. Ho sempre disegnato, ma nel 2014 ho raggiunto un punto di svolta personale in cui ho deciso di trasformare l’arte nella mia professione. Sono molto critico verso me stesso e verso il mio lavoro, e mi ci è voluto molto coraggio per presentare le mie opere. All’inizio ero preoccupato, non sapendo come posizionarmi con il mio realismo.
Ci sono momenti in cui ti allontani dal medium del disegno realistico? Oggigiorno, infatti, il realismo spesso incontra scetticismo, essendo considerato un mero copia-incolla della realtà, superato in tempi di fotografia. Come affronti questa visione?
Assolutamente sì! In privato sperimento con altri materiali, disegno con inchiostro e colori diversi. Non mi sono ancora cimentato con l’olio, però. Tuttavia, il mio focus rimane il disegno a matita. Lavoro principalmente su serie, che mi permettono di osservare più a fondo gli oggetti. Non si tratta di riprodurre ciò che vedo, un’abilità tecnica che chiunque può apprendere, ma di dare qualcosa di mio al realismo, un aspetto per me essenziale.
La differenza rispetto ad altri artisti sta nel tuo grado di realismo. Non crei semplici copie della realtà, ma momenti visivi completamente nuovi. Il tuo iperrealismo affina i sensi, mostrando le cose in modi che i nostri occhi non colgono mai. Con le tue opere racconti storie. Ti ispiri a modelli o usi immagini di riferimento?
Esatto, è fondamentale per me che le mie opere vadano oltre il realismo rappresentativo. Il realismo non è né l’obiettivo né il mezzo per esprimere qualcosa. Attraverso un’elaborazione empirica, esploro i soggetti in profondità, costruendo narrazioni attorno a loro. Non si tratta di riprodurre qualcosa di esistente, quello sarebbe solo artigianato e tecnica. Cerco di rivelare qualcosa di più profondo. Per alcuni lavori, soprattutto i ritratti, utilizzo fotografie come base, che però modifico quasi sempre. Tuttavia, per la maggior parte delle opere, gli oggetti sono davanti a me mentre disegno. Ad esempio, mi piace disegnare praline: dopo averle disegnate, le mangio! Avrei potuto scegliere i broccoli, ma cosa posso dire? Le praline sono semplicemente più belle.
Con le tue opere inviti a osservare con attenzione anche gli oggetti più quotidiani. Posate, insetti, dettagli di abiti diventano quasi venerabili. Dove trovi la tua ispirazione?
È una domanda bellissima. Ho una scatola nascosta con circa 500 schizzi. Ogni volta che mi viene un’idea, la schizzo velocemente e la metto lì dentro. Spesso non torno mai a quegli schizzi. Solo una piccola parte delle immagini che ho in mente diventa un’opera finita. La maggior parte delle idee mi viene leggendo. Leggo molte storie brevi e fantastiche, che immagino ambientate nella vecchia villa vicino Roma. Così, la mia memoria si intreccia con le storie lette. Una grande fonte di ispirazione è quindi la letteratura. Un’altra è la natura: osservando una libellula o un sasso, un’immagine prende forma nella mia mente, che poi trasferisco su carta.
Il tempo è relativo: per alcuni vola, per altri sembra fermarsi. Quale ruolo gioca il tempo nelle tue opere? Quanto impieghi mediamente per completare un disegno?
Il tempo non è un fattore determinante. I disegni richiedono il tempo che serve loro. Per i lavori più grandi, impiego in media tra le 80 e le 350 ore. Ad esempio, il disegno della donna con il cervo volante e l’abito di pizzo ha richiesto circa 300 ore. Questo significa passare molto tempo con se stessi, il che a volte è piacevole, altre volte può diventare pesante. Lavoro meglio quando sto bene, ma paradossalmente le idee migliori nascono nei momenti meno sereni. Un po’ cliché, ma è così.
C’è una domanda o un commento riguardo alla tua arte che non sopporti più?
Oh, certamente! Quando mi chiedono se si tratta di fotografie o disegni. Da un lato mi lusinga, ma dall’altro limita l’apprezzamento all’aspetto tecnico. In una mostra, abbiamo persino dovuto mettere un cartello con scritto “Disegni” accanto alle opere, perché molti pensavano fossero belle foto.
Se potessi scegliere un artista accanto al quale appendere i tuoi lavori, chi sarebbe?
Domanda difficile. Per me, il massimo raggiunto nell’arte del disegno è rappresentato dalle opere erotiche di Klimt. Sono il non plus ultra. Faccio qualcosa di diverso, ma trovo incredibile come riesca a catturare così tanta sensualità e bellezza con pochi tratti. Quelle opere non hanno bisogno di spiegazioni; portano con sé un’intensità tale che ogni commento è superfluo.
Infine, completa la frase: l’arte per me è…
È difficile completare una frase del genere senza sembrare sdolcinati. Se dicessi che l’arte è vita, suonerebbe troppo melenso. Ma se dico che l’arte è la passione della mia vita, è la verità. Lo è sempre stata e lo sarà sempre, anche se un giorno smettessi di essere produttivo. L’arte occupa una grande parte della mia vita, e trovo che questo sia meraviglioso.
Grazie mille, Flavio, per il tuo tempo e la tua sincerità